O diretor de fotografia espanhol Pol Turrents (AEC) publicou ha algum tempo um artigo que acho interessante publicar aqui porque sempre foi uma assunto que falei a diversas pessoas.

Muitas das perguntas vinham no porquê eu fotografei o longa Fome (2015) com Sony A7s I e porque não fiz o fundo desfocado. Eu escolhi a A7s porque era a unica câmera do mercado que me permitia fotografar (gravar) a noite usando a abertura de f/5.6 a f/11, porque? Porque a cidade (São Paulo) faz parte da história então tinha de ser vista na tela e não aquela imagem de novela das 8 ou de casamento foque desfoque.

“Até ha chegada das câmeras Canon 5D mark II e RED One  a filmagem com grandes sensores estava praticamente reservada aos profissionais que rodavam em cinema 35mm e com grandes orçamentos.
Mesmo as pessoas que filmavam com super 16mm, não podiam ter fundos tão desfocados que, com o passar dos anos, todos parecíamos desejar.
Lembro que principalmente com a 5D, de repente muitas pessoas disseram “Agora parece cinema!”….

Mas amigos, vou contar-vos um segredo: o cinema clássico que todos associamos ao “look cinema” NÃO DESFOCA O FUNDO …

Cidadão Kane, o maior expoente de grandes profundidades de campo
Cidadão Kane, o maior expoente de grandes profundidades de campo
 'Once Upon a Time in the West'
‘Once Upon a Time in the West’ de Sergio Leone, com TUDO em destaque em primeiro plano.

E isso por duas razões básicas:

1-Até há relativamente pouco tempo, todas as ópticas de cinema tinham um desempenho ideal do diafragma F/4 ou F/5.6, portanto, se você abrisse mais, corria o risco de vinhetar a imagem , que faziam aparecer artefatos como bordas coloridas ou imagens com falta de definição ou contraste. Por isso, a abertura do diafragma foi considerada algo a evitar, a fim de obter uma textura melhor da imagem.

2-Os conjuntos SÃO CAROS e são para alguma coisa! Sim amigos … se vocês querem irritar um diretor de arte … desfoque aquele cenário que custou tanto para construir …
Mas obviamente não se trata de irritar mais ou menos nossos amigos responsáveis ??pelos sets, é que basicamente 99% das vezes os sets fazem parte da história que contamos.

Para dar exemplos na primeira mão … meus dois primeiros filmes como diretor de fotografia tiveram um tratamento totalmente oposto na profundidade de campo.

O primeiro que fotografei foi “Negro Buenos Aires”, um thriller que se passa em Buenos Aires e onde a cidade tem um papel FUNDAMENTAL na história. O personagem principal se sente totalmente dominado pela beleza e impacto da cidade argentina e como tal, decidi (junto com o diretor, obviamente), dar a todo o filme MUITA profundidade de campo, para que sempre houvesse elementos reconhecíveis em foco. (se não totalmente).
Na verdade, trabalhamos muito com a equipe de arte, o fato de que como quase tudo ia estar em foco, tudo funcionou muito bem.
O filme foi rodado com uma HPX3000 panasonic, com sensor 2/3 ”(sim, igual a uma câmera jornalistica), apesar de haver outras opções como RED ONE disponíveis na época. A ótica era a maravilhosa Digiprimes e eu filtrei o filme inteiro com soft fx1 para obter uma textura consistente e uniforme.

Negro Buenos Aires, direção de Ramón Termens, fotografia de Pol Turrents (AEC)

O filme seguinte que fotografei foi XTREMS , uma pequena produção com muitos cenários e muitas personagens.

Nesse caso, tínhamos contra nós a falta de orçamento e tempo de filmagem, então os sets onde filmamos tiveram que ser construídos de forma mais econômica e obviamente as texturas não eram inteiramente ideais, para evitar que o filme parecesse ruim … optamos por desfocar massivamente todos os fundos e ir para fotos curtas como o seguinte quadro:

Xtrems, dirigido por Abel Folk e Joan Riedweg, fotografia de Pol Turrents (AEC)
Xtrems, dirigido por Abel Folk e Joan Riedweg, fotografia de Pol Turrents (AEC)

Obviamente, se a produção fosse mais cara e com mais tempo, teríamos optado por trabalhar mais nos sets de arte e torná-los muito melhores, pois embora o filme não pareça ruim, acho que poderia ter dado mais contexto.

Para mim, quando desfocamos um fundo, é para dar um destaque total e absoluto no que está em foco, e isso às vezes é interessante, mas se o fizermos constantemente, perdemos não só a força narrativa de usar constantemente um recurso, mas também carregamos o trabalho visual para a maior parte de nossa produção.

Você pode imaginar se essa tendência de desfocar os fundos sempre tivesse sido assim?

2 exemplos com e sem desfoque

1- Casablanca (1942) Rick está tomando café?
2- The Wizard of Oz (1939) Estão indo para OZ ou para Osasco ?

Admito que uso o recurso com muita regularidade e tento sempre me abstrair e usá-lo o mínimo possível, mas obviamente a moda pesa muito sobre todos nós, e os diretores também exigem constantemente esse recurso.

E obviamente é legal utilizá-lo e levá-lo em consideração, mas para mim, de tudo o que fiz, este é o melhor uso que dou à profundidade de campo limitada:

Spot Mayoneseros de Hellmann dirigido por Jesus Rubio e fotografia de Pol Turrents (AEC)